如今戏曲界有几个引人深思的问题。一方面，大家追求创新，想通过新技术和新方法使戏曲作品更加吸引人；另一方面，却往往忽略了戏曲作为一门艺术，其精髓在于演员的表演。这种矛盾如同迷雾一般，笼罩着整个戏曲行业。

演员演技的核心地位

在戏曲的演进过程中，许多艺术家都深知演员的表演技艺至关重要。正如蒋锡武老师所言，梅兰芳先生明确表示演员的演技比外在形象更重要。以前，戏曲没有现在的高科技支持，主要依赖演员扎实的基本功和表演才能来感染观众。无论是国内的戏曲大师，还是国外的波兰导演格洛托夫斯基，都持有这样的看法。京剧大师们在简陋的舞台上，仅凭纯熟的表演就能散发出独特的魅力，这在戏迷心中留下了难以磨灭的印象。

戏曲艺术通过演员的表演来传达情感和思想。演员的每一个动作都充满了故事，观众最直观的感受就是演员的表演。即便舞台简陋，缺乏华丽的装饰，只要演员的演技高超，戏曲依然能展现出旺盛的生命力。这一点，历史已经给予了证明。

剧目调整与新技术运用

现在，人们对于艺术审美的追求不断演进，因此对传统戏曲进行改良显得尤为必要。在新创作的戏曲作品中，运用新颖的手段和技术是合理的。比如，在不少新编戏曲中，恰当的音乐编排和巧妙的舞台设计，都能为年轻观众带来全新的观赏感受。

然而，在实际操作中，问题也随之而来。某些剧目过于依赖技术，过分融入音乐元素，却反而损害了原有的氛围。表演中，由于配器过于繁复，作品丧失了应有的情感感染力，这显然违背了创新旨在增强戏曲吸引力的初衷。过度的技术应用甚至可能让观众的注意力从演员的表演转移到了那些华而不实之处。

音乐配器适度性

戏曲中的音乐配置对于营造氛围至关重要，适度的配置能够带来积极效果。恰当的乐器搭配能帮助观众更深入地沉浸在戏曲情境中。在诸多经典片段中，仅需几件乐器便足以巧妙地营造出悲喜交加的氛围。

现在有些剧目的音乐编排过于过分，完全忽略了适度的原则。就拿之前提到的复排作品来说，原本一根黑管就能营造出凄美的氛围，却被复杂的配器给破坏了。这样一来，观众就难以准确感受到剧情的氛围，演员也因为这种干扰而难以进入角色，整场演出的效果自然大打折扣，戏曲原有的韵味也因此大减。

舞美灯光的合理使用

现在的舞美和灯光技术相比以前有了显著提升，舞台场景因此变得更加逼真和美丽。在灯光方面，追光能凸显主演，色彩则能营造出相应的氛围。这样的运用确实吸引了年轻观众，例如，一些原本对戏曲不感兴趣的年轻人，可能会因为灯光效果的简洁明了而开始对戏曲产生兴趣。

然而，舞美和灯光的应用应当适度。在部分传统戏曲中，过多的舞美灯光使得表演显得不伦不类。以《三娘教子》为例，过多的追光效果不如过去的全面照明来得恰当。此外，有些剧目频繁使用烟雾机，导致原本简洁的戏曲表达风格丧失，这对戏曲的健康发展并无益处。

演员自身的努力重要性

戏曲界的先辈们始终致力于自我精进和表演形式的革新。比如刘毓中先生在“抖马”这一环节上付出了极大的努力，使得表演更加生动。全巧民在贺孝民导演的指导下，成功打造了经典动作。样板戏中，也有在传统基础上创新成功的事例。

有些演员因为个人基础或创新力不足，试图依赖外界力量来掩饰缺陷。然而，这种掩饰终究会失败。演员应当依靠自己的努力提高演技，唯有如此，舞台才能焕发光彩。

戏曲发展要重视根本

确定戏曲的发展方向极为关键。单纯依赖舞台上的外在元素并不能使戏曲真正进步。戏曲是否吸引人，核心还是在于演员本身。演员需不断磨练演技，深刻领会角色，在表演上勇于创新和尝试，才能展现戏曲的内在魅力。主创人员应更注重演员的成长与演技的进步，而不仅仅是舞台表面的功夫。

亲爱的观众们，关于戏曲的进步，大家认为如何能让演员的核心作用更加突出？欢迎在评论区发表你们的看法。同时，也请大家为这篇文章点赞并转发。